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Die Preisträger im Gehege

Alle sind sie aufgeregt, alle sind, wie so viele Künstlerinnen, bühnenuntauglich, wirken nervös und unvorbereitet und wollen eigentlich nur noch, dass es endlich vorbei ist: das Fernsehen, die Gespräche, der Stress, die Spannung, das Für-Sich-Selbst-Sprechen-Müssen, wenn das doch eigentlich ihre Kunst für sie tun sollte. Aber nein, denn die Dankes- und Repräsentationskultur der Deutschen kennt keine Gnade. Da werden sie auf die Bühne gepfercht und dann werden ihnen Fragen gestellt, die leicht bekömmlich daherkommen, aber genau wissen worauf sie hinauswollen.

Fragen, die Dankbarkeit und Kameradschaft als Antworten fordern. Fragen, die auch mal das träumerisch vage Reden über Kunst ermöglichen, wie das Publikum es auch von Künstlern erwartet. Die gewünschten Antworten folgen dann sogleich und das Publikum, das nun schon seit weit über einer Stunde auf die Bühne starrt, darf den jungen Menschen bei den verwirrenden Dingen zuhören, die sie über ihre Kunst zu sagen haben: Da geht es um das Hinterfragen der Wahrnehmung, die Aktivierung des menschlichen Körpers und sein Verhalten im Raum, da geht es um Repräsentation und Erinnerung und vieles mehr.  Ja, die gewünschten Antworten folgen oder eben auch nicht, wie in dem Falle des einzig sichtbaren Nichteuropäers Yashuhiro, der die deutsch und englisch und denglisch gestellten Fragen in der Hitze des Gefechts nicht immer versteht und in einer schüchtern-humorvollen Art die Internationalität der Preisverleihung des Internationalen Lichtkunst Awards zugleich bestätigt und ins Wanken bringt.

Charakterlich passen sie in Seminarräume und Werkstätten. Sie passen auf kleine Homeparties und Ausstellungseröffnungen in unabhängigen Projekträumen, sie passen in die Häuserschluchten der Großstädte und in Cafés mit selbstgefertigten, weißen Designmöbeln. Sie passen in kleine Mietswohnungen, gemütlich auf die Couch mit ihren Liebsten gekuschelt. Hier auf der Bühne jedoch, fernab ihrer Habitate, eingesperrt in einem Gehege aus Öffentlichkeit, wollen sie einfach nicht so recht passen. Hier auf der Bühne, die pinke Projektion im Hintergrund, das Logo der Sponsoren rechts über ihren Köpfen schwebend, sind sie gefördert durch die INNOGY Stiftung. Man nimmt den Künstlerinnen alles, was sie zu bieten haben, mit ihrer Essenz werden die PR-Maschinen betrieben, ihre Lebenskraft ist die Braunkohle der Sponsoringindustrie: Nach einer monatelangen Planungsphase, nach drei Wochen Aufbau am Stück, untertage und jeden Sonnenlichts beraubt, nach Interviews und Zeitungsberichten, Absprachen und fernab der Heimat, müssen sie hier auf der Bühne die letzten Energien verbrennen, sie müssen tief graben und auch das letzte bisschen aus sich rausquetschen, damit die Show weitergehen kann, denn sie muss. Nach etwa zwanzig Minuten wird wieder gedankt und dann gibt es wieder eine zehrende Rede. Dieses Mal darüber, wie schwer die Auswahl fiel, wie viele Bewerbungen aus wie vielen Ländern kamen, was die Kriterien für die Kunstwerke seien und dann schließlich, wer denn nun gewonnen hat.

Etwas Kolonialismus on top – sonst ist es kein Kunsttext.

Apropos Länder und Gewinnkriterien; durch sie ließ die Veranstaltung ganz unreflektiert koloniale Muster in der Kunstförderung durchblicken: Die 357 Einreichungen des Internationalen Lichtkunst Awards stammten aus 61 Ländern, was bei mir Grübeln auslöste. Erste Frage: Wie viele kamen dabei aus jedem einzelnen Land und welche Länder waren das? Zweite Frage: Ein Auswahlkriterium, so der Sprecher, war auch der technologische Hintergrund und die technische Umsetzung, die Neuheit der verwendeten Lichttechnologie oder einer Erfindung. Wie viele der Einsendungen waren wohl aus infrastrukturell schlecht entwickelten Ländern gekommen, wo Künstler vielleicht keinen Zugriff zu solchen Technologien, Materialien oder Werkzeugen hatten? Und dritte Frage: Machte die Repräsentanz der Technologienationen Deutschland und Japan durch die Finalistinnen nicht ganz deutlich, welches (koloniales) Gefälle es bei der Auswahl von internationalen Lichtkünstlern gibt? Es handelt bei diesen Fragen, sehr geschätzte Lesende, um rhetorische Fragen.

Immer tiefer, bis in die Unendlichkeit und noch weiter

Endlich wird das Geheimnis gelüftet. Die Künstlerinnen auf der Bühne können nicht mehr, die Luft im Raum ist weggeatmet. Rosen werden herbeigetragen. Als Jacqueline Hens Name als Gewinnerin des ILAA genannt wird, kann sie keine kameragerechte Reaktion hervorbringen. Wie erstarrt sitzt sie da, während die Anspannung von ihren Kolleginnen auf der Bühne sichtbar und mit einem Schlag abfällt. Die Künstlerin kann es scheinbar nicht fassen. Vielleicht liegt es daran, dass diese Veranstaltung, die nun am Ende sein sollte, für sie jetzt erst richtig beginnt. Man kann nur ahnen, wie tief sie jetzt schürfen muss, in welche Schächte ihrer Psyche sie nun hinabsteigen muss, um dort genügend brennbare Fossilien hervorzuholen, um sich und die Veranstaltung noch etwas weiter betreiben zu können. Denn das ist ja das, was man den Kreativen nachsagt, ihnen andichtet, nicht wahr? Unendliche Schöpfungskraft, das Versprechen unbegrenzter Energie.

Hen zeigt mit ihrer Installation „LIGHT HIGH“, dass jeder Unendlichkeit ein Ende innewohnt, dass man nicht immer so weiter machen kann, egal ob man nun Kunstszene oder Braunkohleindustrie ist, und dass man mit Ressourcen (auch wenn sie unendlich scheinen) schonend umgehen muss, wenn man sich selbst erhalten will. Die Sponsoren, die Institution, der größte Teil des Publikums, die Presse und das Fernsehen werden für diese Vision vom Ende der Unendlichkeit blind bleiben, denn wenn schon die Natur endlich ist und wir das auch langsam verstehen – irgendwo muss der Raubbau ja schließlich weitergehen.